INTERVIEW: TUNG-LUNG WU
[ 專訪 ] 藝術家 吳東龍
藝術家吳東龍的作品中，簡約的表象下隱藏著一場與美感的對話，一場與生命的辯證。底色的著墨、符號的琢磨，以及線條的安排和留白的鋪陳，都凝聚了他深刻而細膩的筆觸，帶著一股協調的感覺。從遠處觀賞，畫面中彷彿展開了色塊、符號和線條之間的對話，然而當你靠近作品仔細端詳時，那看似平和一致的底色卻蘊含著驚人的生命力。
世界已走出疫情的陰霾，但在舊世界的瘡痍之後，我們將走向何方？隧道盡頭的新世界又將是什麼？藝術家吳東龍先生的「隱外之境」個展將於2023年9月16日至10月21日在 Artemin Gallery舉行，展出其繪畫作品。或許這場展覽能為我們帶來一些靈感。
Artemin: 請介紹首次創作的陶瓷的立體作品的動機與概念？
吳東龍: 首次創作陶瓷立體作品其靈感源自於大自然，並運用 St. Leo塗料巧妙表達出歷史感和大地感、Krystalgade的色調，如同哥本哈根市中心的歷史街道，透過光影變化呈現出歷史建築的神秘感。 Ancoats的深綠色帶來大自然的森林綠意，同時擁有濃厚的工業歷史感 Via Lovanio的灰色調呼應了古老街道的石墨和木炭，展現出大地的堅實和穩定。而 Gammel Strand的多彩調色板則彷彿大自然的多樣性，如同自然界的色彩和變化。這些特點使陶瓷作品成為對歷史、大自然和文化的愛的表達，賦予作品獨特的情感和藝術價值。
我選擇了壁掛半浮雕陶瓷作品，與我的繪畫相互呼應，這種結合保留了我的風格，也是我首次嘗試陶藝、陶瓷和繪畫的融合，通過陶藝製程讓兩者在感覺與元素上達到一種契合，也顯示了陶藝的複雜過程和繪畫的自由度，目標是創造出一種獨特而美麗的結合。此次創作突破以往框架，賦予作品深度與質感，新元素將使展覽與眾不同。
Artemin: 此個展期待為舊雨新知的觀眾們帶來何種體驗？
吳東龍: Artemin Gallery給我的感覺是細膩、精緻、專業且充滿活力，因此在此次展覽中我選擇了幾個不同年代的作品來搭配2023年的新作品，共同構成展覽元素，特別加入了多件陶瓷作品為展覽帶來前所未有的體驗，以往展覽多聚焦近期作品，而此次作品跨足不同年代、類型和尺寸，呈現出獨特精緻和新鮮感。
Artemin: 藝術表現媒材與管道越發多元的當今，您個人以何種方式看待？如何維持初衷？
吳東龍: 當今，藝術創作媒材和管道的多樣性逐漸擴展，包括科技、AI等新形式，這顯然影響了藝術的方向和觀感，對於這種變化，我持有一種尊重態度，但我堅持選擇傳統的手工感和繪畫性表現，這種高度手工感和時間成本使每個作品更珍貴，與數位科技的快速變革形成對比。然而，年輕藝術家可能會偏向快速演進，雖然這是時代的現象，但我仍尊重並欣賞那些專注於內在純粹、傳統元素的創作。
Artemin: 您創作作品時，具有絕對自律與自覺的意識，請分享身為藝術家的每日作息？
吳東龍: 作為藝術家，我覺得自己很幸運，相對於一般上班族，我的工作方式更有彈性，不受時間和工作內容的約束，也不需要遵循固定的時間表，而是自己安排工作節奏，我特別偏愛白天時間工作，因為效率最高、判斷最準確。晚上則是休息時間，我堅信良好的休息是高效工作的基石。 近兩年，有一個重大的改變，就是將居住地和工作室分開。這使我能夠更專注於白天工作，通常持續五小時左右，其他時間用來整理環境和休息。 晚上是自己的時間，可以享受輕鬆的娛樂，我相信不要過度勉強自己，因為疲勞會影響創作品質。我強調做不出好作品時不要硬做，這樣往往得不到滿意的結果。
Artemin: 如果不從事藝術創作，您嚮往的職業是什麼？
吳東龍: 如果不是藝術家，我會選擇建築師或室內設計師，我欣賞現代主義的精神，尤其喜愛包浩斯（Bauhaus）的作品，他們強調反璞歸真，追求簡約和理性，剔除不必要的裝飾，回歸本質。這種精神與我的創作理念相近，成為我追求的典範。同樣，我喜愛柯比意（Le Corbusier）的作品，他作為建築師和設計師，將理性、簡約和創新融合於建築和設計中，這些精神一直激勵著我，所以如果抽離現實考量，我會選擇成為一名建築師。
Artemin: 作為台灣少數堅持抽象繪畫創作的藝術家之一，請問要如何維持創作熱情？
吳東龍: 抽象藝術存在已久，但並非受到大量關注。在這種狀態下保持創作熱情，藝術家需要找到自己的核心，並專注持續發展在適合的創作形式上。在我個人的創作經歷中，這種持續專注在適合的領域使我遠離了辛苦和迷茫，我在創作靈感和動力方面不是刻意尋找，而是帶領自己去從事創作。在2001年，我進入台南藝術學院念研究所，這段經歷對我影響深遠，在台南的獨處時光，加上薛保瑕和蕭勤兩位專業藝術家的指導，為我提供了許多方向和啟發。在這種環境中，我學會了獨處，這對於我來說是很有價值的學習，許多人需要大量的資訊和刺激來創作，而我幸運地在適宜的氛圍中培養出獨處的能力，這種能力對我日後專注於創作產生了深遠的影響。
Artemin: 作品中有機形體的符號與幾何線條的排列，這兩個元素在創作中如何相互影響並融合在一起？
吳東龍: 我的創作靈感源自兩個主要方面，首先是低限主義的建築、空間、線條和造型，這種簡約的結構和氛圍深深吸引著我，另一方面是自然界，尤其是植物和山林，我對自然的喜好在三十歲左右開始顯現出來，我的作品融合了這兩種元素，用硬邊的線條表現理性和結構，同時加入自然的有機感，作品中呈現出理性與有機元素的結合，反映了我喜愛的雙重存在。
Artemin: 在創作過程中，您是如何運用線性、色面、體積和空間等元素來構成您的創作語彙和風格？
吳東龍: 我思考創作的本質，在取捨之間思考著。學習初期，我們學習很多技法、透視、描繪和材質運用，逐步發展出風格，然而，我發現我們學習的通常是「加法」，總是不斷地添加元素，卻鮮少教導如何以「減法」的角度看待作品，這個概念我在進入南藝後才逐漸領悟。 同時，也將自己對於東方書法的喜好融入創作。在一些作品中，我運用了字體的元素將其視為空間元素，營造出有力量、動感的氛圍，但同時不賦予直接的意義，這種元素的使用可能來自於我個人的學習背景和經驗，像是在東方文化中學習書法的經歷。
在創作過程中有一個特點是，我在某個階段看不到最終的畫面，我會使用膠帶遮蔽部分畫面，依靠記憶和經驗來決定布局、色彩和結果，這樣的方法讓我能夠保持對畫面的新鮮感，像觀眾一樣看待作品的完成，因此，當膠帶被揭開時，我可以像觀眾一樣看到最終成品，而不像傳統的創作方式，一直累積元素，直到判定作品完成。我也發現，有時候作品會找到自己的主人，有些作品，即便在我看來未必完美，卻在特定的時機找到了與之相襯的環境，與之相搭的觀眾。例如，最近一幅畫作被一位業主選中，雖然之前我找不到它的適合位置。這個現象讓我更加相信，作品和主人之間有一種奇妙的互動關係。
總和來說，我的創作思維是將基本元素降到最低，卻在其中探索最廣的可能性，這種創作方式讓我更有興趣地欣賞、思考每個作品的特點，並自我內省，如何以簡單的方式表達複雜的想法和情感，並創作一個想像無限的畫作。
Artemin: 作品中多以低溫色彩呈現，這種色彩選擇如何影響觀眾的視覺體驗？你想帶給觀眾什麼樣的視覺體驗？
吳東龍: 我的作品元素、造型和內容都偏向簡約，因此，色彩的選擇在每次創作中都引起人們的好奇，為了達到舒適、沉穩和優雅的色彩，我花了很多時間在調色過程中，我喜歡擠出顏料、混合顏色，這個調色的過程對我來說就像變魔法一樣，是畫家最私密的瞬間，也是最純粹的時刻。 造型需要用腦筋，但顏色則是直覺，在選擇顏色時，我處於完全不同的狀態，我享受每次選擇色調和顏色的過程，這些最終會形成獨特的色調或顏色的資料庫，我不喜歡過於高彩度或直接的顏色，也不會直接使用原色，我總是希望保持一些神秘感、優雅和內斂。
選擇色彩時，會排除原色或過飽和的顏色，這部分是受到自然界的啟發，自然環境通常有柔和的色調，這也是我居住在郊區的原因，這種環境讓我能夠將顏色帶入更多的層次，有光的穿透、山嵐水氣，這些都使植物的顏色更有魅力。因此，我從自然界中汲取靈感，選擇和配置色彩。
有人說我的作品顏色很京都或很巴黎，即使我當時對這些地方沒有真實的了解。或許這些顏色在不同地方也可以找到，只是剛好我擷取應用到畫面中。然而，我不喜歡人們說我使用了很多莫蘭迪色，這種標籤可能太籠統，莫蘭迪色的範圍很廣。對於不熟悉的人來說，這只是一個形容詞，而非精確的描述，相比之下，我能接受像「普魯士藍」或「克萊因」這樣精確的名詞，因為它們代表確切的顏色，而不只是模糊的形容詞。
Artemin: 作品展現了兩極性與矛盾性的互融，請闡述這些元素如何反映在您的創作中？
吳東龍: 我的作品被人們形容為既感性又理性，感性確實存在，展現在紋理、肌理和色調上，而理性則體現在創作方式和過程中，我的創作遵循一個有序的步驟，每個步驟都是不可逆轉的，這意味著我無法在某個地方進行修改，然後再返回之前的步驟，可以說，我的創作過程建築在一個理性的架構上。 這種感性和理性之間的對比，就像是兩個極端情感的表達，創作不是非常理性，就是極度感性，然而，我試圖在這兩者之間找到一個平衡點，將它們融合在一起，我的目標是讓這兩個極端狀態在作品中共存，並達到一種融合的平衡，這也是我的作品獨特之處，即在理性和感性之間找到了平衡。
Artemin: 作品強調手工性格的元素融入抽象風景中，這種創作手法對作品和觀眾產生了什麼樣的影響？
吳東龍: 藝術家在尋求自己的創作材質和表現手法時，有一種方法是從基底材料的選擇開始，我使用的基底材料是胚布，通過在畫布板上塗抹，用主膠裱貼的方式固定，這個過程使用了傳統而原始的素材，即動物膠與布，經過加熱和煮沸，動物膠變成類似水膠的狀態，它在畫板上乾燥後，表面會形成類似動物結晶的效果，並在光線下呈現亮亮的效果，此外，它也變得堅硬，這是一般胚布所不具備的特性。 在胚布固定後，我們使用Gesso進行處理，這個Gesso的處理過程需要反覆進行20至30次，使用不同細薄的Gesso，並以不同方向進行塗抹，在每一層之間需要打磨，以去除顆粒和雜質，整個手工的過程具有儀式感，需要相當多的時間投入。然而，這樣的處理過程能夠確保每張作品的基底都變得堅固穩定，同時呈現出獨特的有機紋理。
我深感喜愛並享受這樣的過程，這種手工性和材質性反映了當今快速變化的環境，尤其是科技的迅速發展和數位媒體的普及，在這樣的背景下，我更加珍視這種手工性和材質性，它們無法被數位媒體所取代，也無法被複製。這種特質使我更加喜愛這項工作，儘管這個表面處理過程看似重複，但它在每次創作之前都為我提供了一種思考和準備的機會，它讓我進入創作的狀態，同時也賦予了每個畫面獨特的外觀。因此，這個過程對我來說具有雙重作用，同時也是不可替代的。
Artemin: 您講到不可取代性，是指因為它可能會有很多表現紋理的形式，那是不是其實還有很多表現的方式，有曾經想嘗試過的？比如哪一個工序換掉？或者底層披布換成另外一種形式的去創作不同的肌理，讓您的作品又更不同的樣貌？
吳東龍: 我會在選擇畫布時考慮不同的因素，比如棉麻比例、織法以及線的粗細等，這些因素在基底材料中會帶來些微的差異，然而，整個過程的基本步驟並不會有太大變化。值得一提的是，雖然每張作品的布材並不會大幅變化，但在手工處理上會稍作調整，在我的繪畫中，筆刷的痕跡幾乎看不到，你會看到的是三個主要元素：色彩、造型和質感。然而，我的作品不會明確顯示出起點和終點，也不會展示出筆刷的運動軌跡，一些作品或許看起來是由一邊畫過來，然後另一邊結束，或者在某處噴上顏色，然後在另一處結束，這種效果是當下情感的表達，或者有著時間性的特徵，然而，在我的繪畫中，這些因素幾乎是一個瞬間的存在。我不會告訴觀眾從哪裡開始或結束，而是由觀者自行選擇他們進入畫面的位置和方式，換句話說，我讓作品在時間、情感和狀態方面呈現出一種均衡的狀態，同時將藝術家的內在情感凝聚其中。
我喜歡以這種方式使用材質進行表現的原因在於，這樣的形式呼應了我想傳達的理念，相比於低限主義的絕對理性、平整和造型，所採用的形式更具溫度，我的作品不僅有色彩，也強調質感，而這些元素都是平衡的，這種表現方式不同於蒙德利亞的幾何切割，蒙德利亞的作品強調單一的色塊，例如紅色就是紅色，而我則強調了色彩的差異性和質感。我將這種方式視為創作的重要元素，它為作品帶來了一種既有溫度又具理性的狀態，這種溫度存在於作品中，但不是高度張力的，更像是低溫，如果用烹飪的比喻，不是快炒大火，而是選擇慢慢熬煮，花時間烘焙出味道，使味道逐漸凝聚。這樣做就不會像熱炒那樣濃烈，而是帶有緩慢而細膩的香氣。
Artemin: 抽象藝術品似乎不被定義或解釋，您希望透過藝術作品向觀眾傳什麼樣的訊息或情感？
吳東龍: 在創作的初期，我通常不會考慮觀眾的視角和觀點，然而面對展覽時，就必須進行討論和分享，這時就會開始思考觀眾的角度，我認為作品是我與人和空間之間產生聯繫的媒介，透過作品能夠認識不同的人、進入不同的空間，有時候是原本無法接觸的地方。我提到過作品會找到適合它的主人、適合它的環境，這過程帶給我認識許多不同的人，實際上我很享受這個過程，至於想傳遞怎樣的訊息和情感，通常是想透過作品反應我的個人喜好、美學觀和創作的獨特性。
關於作品的創造，有時會覺得，好像是某種力量在引導著我，而不只是我在創造，這種觀點有點像是神秘學或靈性的概念。透過作品，觀眾也會產生屬於他們自己的故事，有時候我和他們之間的聯繫只是短暫的，有點像是瞬間的相遇，這讓我想起當在創作一幅作品時，我好像是一個局外人在觀察畫面，當完成後，我變成了一個觀眾，從旁看著這份情感，有時候也會思考，為什麼選擇這個圖案？為什麼呈現這樣的方式？這些問題都充滿趣味性。
不同形式的藝術呈現都是藝術家個人意識的轉化與展現。我們有意無意地將自己的情緒經驗投射到那流轉的波動中，無論是觸景傷情、懷古傷今，情緒的感受本就存在於人類群體中，差別僅在於每個人對刺激的接受方式。 下次欣賞藝術家吳東龍的作品時，別急著試圖將知識面的意志帶上，只需駐足、凝視、感受。讓眼前的畫作成為走進自己內心潛意識世界的那一扇門，與自己對話、親切地詢問自己的感受，嘗試感受當下眼前這幅作品帶給你的感知自由與洞察力。