INTERVIEW: Unevenness is the way ARTIST
[ Exclusive Interview ] ARTIST Cheng Nung-Hsuan 1. Your works seem to incorporate elements of mythology and various religious stories. Do you have a particular interest in these themes? Are there any stories that you especially love or that have profoundly
INTERVIEW: Unevenness is the way ARTIST
[ 專訪 ] 藝術家 鄭農軒 1. 您的作品中似乎融入了神話或不同宗教故事的元素，請問您平時對這類主題有特別的研究嗎？是否有特別喜愛的或對您影響深遠的故事呢？ Nung-Hsuan: 確實是蠻喜歡這類故事的，但說實話並沒有深入研究或是特別有影響的故事，它們之於我比較像是一種現實的對應，在化外奇想中，本質又跟現實十分相似，那種有一點距離，但好像又有點似曾相似的感覺，十分有趣。 2. 近年的作品與舞台、劇場的呈現風格皆有所關聯，請問您平時有觀賞劇場演出的習慣嗎？還是有受到特定書籍或文獻的啟發，進而發展出這樣的創作靈感？ Nung-Hsuan: 沒有這樣的習慣喔，事實上我不太喜歡時間性的藝術形式（電影、劇⋯等），或許就是為了要拒絕這些東西，所以才選擇在繪畫這種空間性的藝術形式上來表現。大概是”口桀口桀口桀～我要用你的魔法來對付你！！”這種心態。 3. 您的早期作品較直接地反映故事情節，例如以象徵慾望等明確主題為出發點，而近期的創作則更偏向開放式呈現，未必有明確界定，更多描繪自己創作的狀態。請問有什麼特別的原因促成這樣的轉變？ Nung-Hsuan: 我覺得我是一個喜於改變的人，在某個論述框架下待久了，內心就會自然產生一些反動的心態。可能跟上ㄧ題有點像，也是一種拒絕，對於”延續單一論述”的拒絕，所以其實每次主要展覽，談論的東西都不一樣。我希望我的作品，如果拉開很長的時間維度來看的話，是由很多零碎的想法，聚集匯流成宏觀的視覺體驗。我覺得這個也是繪畫這種藝術形式的特色，因為他不是時間性的，所以繪畫需要更長的時間去訴說。 4. 之前「信使」延續了「古典敘事系列」的畫面與故事呈現，而這次的展覽「維持崎嶇」是否同樣承接了「信使」的概念？兩者皆描繪創作當下的狀態，請問這兩個系列之間是否有起承轉合的關聯，還是它們能並行於同一條故事線中？ Nung-Hsuan: 古典敘事（對應2020年的個展：請留步，聽我說個故事）談論的是繪畫的敘事內容與觀看之間的距離。信使系列談論的是繪畫自身，有一點繪畫自說自話，自我延伸的概念在裡面。維持崎嶇這個展覽不是談繪畫，而是談畫畫這個動作。雖然說畫面呈現類似，都是人物與場景與流動的筆觸，也許在視覺上有延續，但每次談論的內容是不同的，如同上一個提問的回應，我期望作品最終是由許多不同的想法匯集而成。 5. 這次的作品畫面幾乎以人的形體為主，相較以往較少出現動物或虛幻神獸的元素。請問這樣的轉變背後有什麼特別的原因嗎？ Nung-Hsuan: 我想是跟這次的概念有關：畫畫的狀態，這個狀態有人的身體性在裡面，如果畫了其他動物，好像就有點飄太遠了。 6. 旗幟經常出現在您近期的作品中，能否與我們分享它在您的創作中所承載的意義？ Nung-Hsuan: 當你揮舞一面很大的旗子的時候，有時候是你帶著旗子，有時候因為風阻反而是旗子帶著你。這個感覺跟畫畫很像，有時候是你主宰著畫面、筆刷與顏料，但有時候是這些東西領著你前進。這次展覽內容是以這個想法為出發點形成的。 7. 這次的作品概述中提到了「崎嶇」的狀態，主題也以「維持崎嶇」為名。由於「崎嶇」對觀眾而言可能帶有較負面、較辛苦的感受，請問您選擇維持這種狀態的原因是什麼？能與我們分享您的想法嗎？ Nung-Hsuan: 崎嶇是我對於畫畫狀態的一種比喻，那是一種上上下下、左右晃動的心理狀態，一方面要小心的前進，另外一方面也需堅定的跨越。這個狀態維持得越久，通常作品也會越滿意，畫畫確實是一件比想像中來得辛苦與消耗的事情，所以如果崎嶇兩字能帶給觀眾一些掙扎感，我想蠻好的！ 8. 這次的背景色彩帶有些許灰濛濛的感覺，對比著比以往更鮮豔的雲彩及光束，請問這樣的顏色選擇是否有特別的用意？是否與「維持崎嶇」這個主題有所呼應？ Nung-Hsuan: 畫背景這部分，我思考的是畫面前後空間感表現的技術性問題，所以一開始把背景壓得比較灰讓他後退一點，在這個過程中又不希望一切退得太遠，所有的距離應該保持在一個恰到好處的狀態，於是用了彩度比較高的顏色把背景抓回來。在我的作品裡面色調、色彩、結構⋯等各種繪畫元素，都是在類似的情境推敲之中，累積成所見的模樣。這個反覆與調整的過程，就像在崎嶇之中行進。 9. 您平時也有涉略動畫和漫畫，請問這些媒介是否對您的創作產生影響？其中是否有哪部作品對您影響最深？能與我們分享嗎？ Nung-Hsuan: 嗯～ 好像沒有覺得有被什麼作品影響很深欸，都是一陣一陣的。不過綜合來說對創作的影響還是有的，對於人物姿態的表現、對於現實之外的想像⋯等。 10. 去年您的作品在海外展出頻繁，從日本到中國，甚至遠至美國，此外您也曾參與池上藝術村的駐村計畫。這些經歷是否對您的創作帶來新的啟發或變化？過程中有沒有讓您印象深刻的趣事或挑戰，可以與我們分享？ Nung-Hsuan: 駐村所帶來的創作啟發與變化滿明顯的，我覺得是因為整體的環境、情境跟平常不一樣，做作品的想法和方法就改變了。比較有印象的部分是駐村期間有一個採訪錄影的環節，我提出可以一邊畫畫一邊接受訪問。因為分心，再加上配合錄影，變成有點硬畫，在技術上反而有一些新的體認。
INTERVIEW: “tracing” and “the ROOM” ARTISTS
[ Exclusive Interview ] ARTIST MULTISTANDARD MULTISTANDARD 1. How MULTISTANDARD Was FoundedCould you share the story of how MULTISTANDARD was established? How did the five members meet and decide to form this group? MULTISTANDARD: We all graduated from the Department of Industrial, Interior,
INTERVIEW: “tracing” and “the ROOM” ARTISTS
[ 專訪 ] 藝術家 MULTISTANDARD MULTISTANDARD 1. MULTISTANDARD成立可以和我們分享 MULTISTANDARD 如何成立的經過嗎？五位成員是如何相遇並決定組成這個團體的？ MULTISTANDARD: 我們都是畢業於武藏野美術大學工藝工業設計學系的室內設計專攻。雖然是不同學年的五個人，但在學期間都一直保持友好並且屬於互相討論或是激發想法的關係。而成立的契機，原本只是為了節省報名費一起在DESIGNART TOKYO展出個人的作品。 MULTISTANDARD則是當時展覽的名稱，而展出後陸續以團隊的名義收到專案以及設計邀約，便從那之後順理成章的成為一個設計團體。 2. 團體名稱的由來經查詢，MULTISTANDARD 這個詞彙與電子產品有關，意指「能夠處理來自不同系統的訊號」。想請問團隊為什麼選擇「MULTISTANDARD」作為名稱？是否有特殊的意涵，或是間接反映了團體的理念呢？ MULTISTANDARD: 這個名稱來自於我們常使用的一種創作思考：以不同觀點審視世俗的固定觀念，將所謂的“負面”換個角度思考轉換“正面”。 Double Standard 雙重標準，通常是一個負面的詞彙，但對於創作，我們認為沒有所謂的絕對標準，反而應該提出不同的想法以及創作風格，而我們有五個成員因此決定以MULTISTANDARD多重標準這個造詞來當作團隊的名稱。 3. 創作命名方式我注意到你們團體的展覽主題常以英文小寫並搭配“＿ing”結尾作為標題，想請問這樣的命名方式是否有特別的意涵或緣由呢？ MULTISTANDARD: 在我們創作的過程中，我們認為最重要的一個環節就是”動手執行“這個動作。經過親手接觸材料，實驗等等過程會更熟悉材料的特性， 進而能提升作品的品質以及說服力。且時常也因此產生預料之外的結果，並有些時候這些“意外”甚至能孕育出史無前例的作品。所以我們統一作品的名稱都以ing結尾，呈現出一種動手做，正在進行的一種意象。 4. 創作靈感的來源我發現你們的作品，不論是團體創作還是個人作品，其概念的出發點總是出人意料，彷彿是長時間觀察某個物件後，萃取出的獨特疑問或想法。好奇這次的展覽主題是靈光一閃的靈感，還是經由團隊討論逐步激發出來的呢？ MULTISTANDARD: 在設計及創作的產業，要想到一個好的故事通常是難能可貴的，往往很多是有前例有人做過，或者大多時都只能產出很普通的概念。所以日常的觀察以及累積就相對的重要，這些觀察不僅僅只是對於設計領域，我們也盡量在不同領域裡接觸不同的人事物，從中找尋概念以及自己的特色。而這次的團隊作品“tracing”，則是訂出一個主題“重新審視個人的作品”來重新發想。並花了滿多時間進行討論，而誕生的其中一個專案。 5. 團隊文化與默契作為一個設計團體，您們在日常生活中是否有一些內部的小習慣或默契呢？據我們了解，團隊成員分別位於日本和荷蘭，這樣的距離是否帶來溝通上的挑戰？或許還有什麼特別的優勢與趣事可以和我們分享？ MULTISTANDARD: 我們畢業於同一所學校，雖然成員的風格有些許差異也各有擅長的領域，但也相對的有許多共通點。比如對於一個新的主題或是素材各個成員對於製作過程，處理順序大致上都有共識，並各自進行實驗再分享結果。而在處理專案，展覽的時候通常會發揮各個成員的所長來進行分工：文章、平面設計、展覽構成等等。 我們的成員分散於東京，栃木，四國，以及荷蘭甚至也可以說台灣。不能時常聚集當面溝通創作是一個挑戰，但相對的也有優勢。不同地區有不同地區的風俗民情，文化，所以我們擁有更多元的題材能夠發揮，成員們互相分享自己在地的文化以及風俗通常都能 受到很大的啟發。甚至把東京當作發源地，能夠在不同地區展覽或是進行專案都是我們很珍惜且擁有的一項優勢。 6. 國際展覽經驗與挑戰MULTISTANDARD曾參加過米蘭設計週、Rimowa 的全球巡迴展覽等國際展覽，團隊有覺得在國際舞台上展示作品最大的挑戰是什麼嗎？或是有什麼令人印象深刻的創意啟發可以分享嗎？ MULTISTANDARD: 在國際間的展出，其中一個大挑戰就是輸送費。此次展出的作品“tracing”，其中也包含了一個概念：日本這個島國所面臨的藝術品輸送費的問題。這對於台灣的創作者來說相信也同樣是一個難題。近年來，雖然有越來越多的機會可以在海外發表作品，但由於無法負擔高額的保險和輸送費，許多創作者往往因此錯失了展示的機會。這也很有可能是許多創作者無法突破國內市場的原因之一。 7. 媒材挑戰與探索您們的作品總是在嘗試並探索各種媒材，在過程中，是否曾遇到最具挑戰的媒材？或許有沒有特別想在未來嘗試或深入鑽研的媒材呢？ MULTISTANDARD: 我們的創作通常以實驗性的方式為基礎，可以說每一個作品都是一次挑戰。在這些挑戰中，以黏著劑為主要材料的“oozing”可能是最具挑戰性的嘗試之一。接著劑是生產製造過程中不可或缺的材料之一，但一般來說，在物件之間的接合過程中產生的痕跡或是溢膠，往往會被視為“瑕疵”。對於一般的見解，黏著劑幾乎從未被當作一種“材料”。“oozing”就是一個將是將黏著劑當作是主要材料，重新定義並賦予價值的挑戰。在創作過程中，我們將被接合的物品視為單純的“模具”，而接著劑則成為了主角。這樣的處理方式讓黏著劑成為了焦點，最終發覺到以往的主要材料和接著劑之間的立場互換所產生的有趣現象。以這種逆轉結構來向固有觀念提出疑問的手法也是我們創作的方式之一。而媒材沒有特定，比較像是依照當下的題材來尋找最適合的材料，來表達我們想要述說的故事。 8. 創作的哲學性在您們的個人作品中，背後的概念往往引人深入思考，甚至帶出哲學性的探討。想請問您們平時是否閱讀相關書籍，或是受到哪些外在影響，才有如此有趣且富有深度的創作延伸呢？ MULTISTANDARD: 在接觸新題材時，對其背景和歷史的研究是相當重要的。我們認為理解主題的脈絡和特徵，往往能夠使作品更具說服力。此外，在深入探討特定主題或問題的過程中，我們希望通過作品提出新的觀點。而這些問題往往來自於日常生活或與他人的對話，甚至有時這些問題會成為創作的契機。而最終，我們希望的不是僅僅得出一個單一的答案，而是與觀者共享這些問題，並一起思考將其當作製作的過程。通過作品讓觀者們能夠有所反思，或者讓他們發現未曾察覺的新觀點。探索這種雙向對話的可能性，正是我們創作的原動力。 9. 團隊間的學習與挑戰從您們的作品和社群媒體可以看出，MULTISTANDARD 的成員各自在不同媒材上有特別的專長。好奇的是，您們是否會互相學習或挑戰彼此擅長的媒材？在這樣的互動過程中，有沒有讓人特別印象深刻的經歷可以分享？ MULTISTANDARD: