[ 專訪 ] 藝術家: Katia Lifshin 1. 最近的戰爭對你的創作有何影響？在這種不確定性下，你的創作方式有什麼改變嗎？你是如何應對這種情況的？ Katia: 當然，我改變了，我的創作方法也隨之改變。自從 2023 年 7 月 10 日以來，我覺得自己變得更加焦慮，而這顯現於我所生活的環境。生活在一個不斷發生劇烈且令人恐懼事件的地方，讓人難以承受，也可能讓人對外界封閉自我，將自己困在一個孤立的泡泡裡。我盡量不去看我小小世界之外正在發生的事，因為那讓人很難承受，也很難改變。我感覺自己毫無掌控力。 我唯一能掌控的，是我所做和專注的事情。在創作中，我注意到自己開始更加鑽研細節。我不能說這與那些事件有直接關聯，但我確實只在工作室裡，或者照顧植物時，才感受到某種掌控感。我更加投入於種植植物，並且渴望學習有關植物的新知識，尋找將新想法融入創作的方法。 2. 從你近期的作品來看，你的畫作筆觸似乎比過去更柔和，是什麼改變了你的創作方式？ Katia: 我覺得過去一年多的種種事件在心理上對我產生了影響，使我開始尋找心靈中更柔軟的角落，或許也是一種應對方式。結果是，我在創作上也變得更不畏懼去嘗試色彩與氛圍。這一系列作品正是這種心境轉變的成果，也像是一條嶄新的方向——而這只是眾多道路之一，我希望未來能繼續探索。在創作中，我常常開闢許多「路徑」，並逐一去探索。這次的個展便圍繞著花朵與螺旋的象徵。 我著迷於螺旋與圓之間的聯繫——它們出現在我畫作的天空裡，光暈與螺旋不斷重複——而這些形態又呼應著花朵綻放時的模樣：花心被花瓣環繞。這些形態連結到心理學上「中心」的概念，也就是一種回到內在核心、感受到安定的狀態。 這個系列關於在心靈中找到一個平靜的所在，一個個人內在的中心。這些作品彷彿透過咒語或催眠般的方式去追尋這個所在——大量重複的圖案與無數花朵，邀請心靈安住於此，進入一個平和、冥想的空間。那是一種潛入花卉、植物與自然世界的感覺，一個神祕的領域，能使人安撫並得到慰藉。 這些作品同時承載著二元性：既擴展，又靜止——就像螺旋，或是一朵綻放的花。它們暗示著躺在花田中的靜謐，並感受到自己在無垠宇宙中是多麼渺小。自然的重複映照著人類的經驗：無盡的道路，不斷的循環。這些畫作不是在抗拒這種韻律，而是關於擁抱它，並隨之共舞。 近期的經歷讓我更加渴望在心靈裡尋找柔軟之地，並使我更開放去感受色彩與氛圍。本系列以花朵與螺旋為核心，它們象徵著無限，以及靜止之中的生長。 3. 您是如何從現實生活的記憶，逐步轉化為迷幻藝術的創作歷程？又是如何與觀眾建立起深層聯繫的呢？ Katia: 這個轉變漸進而自然。隨著創作的發展，我能更自由地完全依靠想像力創作，這來自迷幻經驗的啟發，也因為技術提升，我認為超現實主義需要這種自由才能呈現令人信服的畫面。 作品中的環境與角色逐漸超現實，符號與敘事反覆出現，源於我先在心中探索感受，再構築成影像，而非先創作再感受。自然世界與角色交織，共同描繪人類心理旅程的層次、情感、隱秘與光明，以及心靈能體驗到的輕盈與驚歎。將作品與超現實主義及自然連結，是表達我內在感受的重要方式。 4. 你作品中的肢體動作，無論是漂浮、交織或輕柔地傾斜，似乎都在表達某種情感狀態。你認為肢體語言比面部表情能更有效表達內心嗎？ Katia: 身體是一種工具，用來表達情感、思想以及靈魂的狀態。在我的創作中，肉體與靈魂彼此緊密相連，在敘事與故事中互相支撐。身體的狀態取決於心靈／靈魂的狀態。 小時候我曾學過韻律體操，所以我想自己自然會傾向在作品中探索「彈性」與「柔韌性」——身體的柔韌、手與腳的姿態所蘊含的力量，常常在我的創作中重複出現。畫中的角色常以非人類的方式扭轉、延展，以表達情緒的狀態。那是屬於我自身與內在世界的一部分，而我將它呈現在畫布上。 5. 疫情那段時間，您意外地開始在作品中加入「黃色」，但您也曾說過自己絕對不會用「紅色」。可以請您聊聊您是怎麼做色彩上的選擇嗎？為什麼會選擇黃色，又為什麼避免紅色呢？ Katia: 或許正因為身處不確定的時代，我更傾向去探索鮮豔而明亮的色彩。我會自然地被某些顏色吸引，而對於另一些顏色，則覺得不太親近、不太能與我產生連結。 6. 回顧你最近的訪談，你和你的祖母感情非常深厚。你認為你作品中的角色有體現她的個性和積極的生活方式嗎？ Katia: 這確實是一個有趣的觀察，而我也認為在某種程度上是認同的——不是直接的方式，而是更直覺性的，因為這些想法早已內化於我，成為我自身的一部分。像是透過身體的柔韌，或單純以身體的力量來表達心理狀態。我筆下角色的身體特質，確實與我對祖母的印象有許多相似之處。我總覺得她的內在小孩一直存在於她的生命裡，使她永遠年輕，充滿活力。她是那種腳步永遠帶著彈性的人。 但同時，這些角色也不僅僅如此，他們還包含了來自我個人經驗的其他想法與面向。甚至包括更陰暗的一面：扭曲、融化，或跳躍、伸展——這種柔韌性可以是正面的，也可以是負面的。而靈魂之中光與暗的交織，正是不斷在我作品中重複出現的一種對話。 7. 您的作品通常於現實與超現實世界擺盪，您可以分享一個您最有印象且激發您的創作最多的夢嗎？您是如何將其轉換成作品的？ Katia: 我常常做一些奇怪的夢，而且記得特別清楚。其中有些我已經轉化為繪畫，有些則打算未來再創作。我夢見過許多關於「入口」的場景，各種不同形式：走廊、狹窄的通道、擺滿抽屜與架子的空間、隱密的角落、必須逃離的上鎖房間、小窗戶，甚至是我必須爬進去的微小通風口。它們共同的感覺就是「進入某個地方」或「逃離某個地方」。我曾將這些夢做成草圖，其中一個特別令我印象深刻，就是我名為 〈Hallway〉 的作品（去年在維也納的個展中展出）。 至於這次的個展，我的靈感來自三年前的一個夢：夢裡我跳進一大堆黃色的小花中。那些花生長在山上的一棵大樹下，不斷從樹上飄落下來。我坐在花堆裡，頭探出來，望向遠方的風景：群山與晴朗的天空。這種感覺出現在這次展覽中展出的作品 〈Floral immersion〉 與 〈Spinner〉 裡。我直到完成這些作品後才意識到，自己其實是在重現這個夢——那並不是有意識的安排。 因此，我從夢境獲得的靈感可以有許多不同的方向，有時會直接描繪所見，有時則試圖營造一種感覺。有些想法甚至要等上好幾年，直到你準備好去實踐它。這是一件非常有趣的事。 8. 在創作的最後一步，你是怎麼判斷一幅畫已經“完成”的？那是一種視覺的直覺、情感的飽和，還是理性的判斷？ Katia: 我會說這是一個理性的決定。當繪畫進行到某個階段時，我會非常清楚自己需要做什麼來完成它。創作一開始時，我的方式比較自由、鬆散，隨著進程逐漸收緊。在初期我經常會對作品做出改動，加入細節或新的想法，然後一步步收斂，直到所有元素都就位並在腦海裡成形。到了最後，剩下的便只是技術性的收尾工作。 9. 我們可以發現畫中角色的衣服有時是平整的，即便他們在特定畫作中是被用力扭捲的。你的作品經常以扭曲的軀幹和頸部為主題；你是如何構思的？這個主題是否為你的情感掙扎的映照呢？ Katia: 當我在作品中引入某種元素時，比如那些扭曲的衣物，我往往會長時間去探索這個概念，並賦予它新的意義。以扭曲的衣物為例，它最初源自一種疲憊感——像是被「扭曲」的狀態。但後來它延伸出新的含義：某種心靈上的柔韌性。它們讓我的角色能以非人類的方式去觸及、去行動、去表達，擴張他們的身體可能性。另一方面，它們也象徵著一種失去結構的身體，所以當我在探討深沉的悲傷或困境時，這些扭曲的四肢與軀體正好能表現那種狀態。這樣的象徵使我能夠「借用」肉體，作為心靈與靈魂旅程的載體。 螺旋也是我作品中不斷重複出現的元素。因此，這些扭曲的特徵，實際上源於我對這些符號與形狀的吸引——螺旋、方形、重複的圖案——它們共同構築出一種視覺語言，幫助我去表達作品中想要探索的情感。 10. 你的角色常帶有模糊的情緒，這種情感是你有意留白，還是反映了你對人性複雜性的觀察？ Katia: 這是刻意為之的，因為我的作品關注的是內在世界。人的心靈非常有柔韌性，悲傷與寧靜是可以同時存在的。你的心靈既可以是囚籠，也可以是避難所。我的許多作品正是圍繞著這個主題而創作的。 11. 有什麼要的題材是你接下來想要挑戰的嗎？可以聊聊你的未來計畫嗎？ Katia: